Os presentamos de nuevo una entrevista, previamente publicada en www.canalfotografico.com, que Pablo Lorente (palermo77) le hizo a Manolo Laguillo.
Una lectura muy interesante y recomendable…
Nos ha costado volver a arrancar después de este pequeño periodo donde no hemos tenido tiempo para nada, pero lo hacemos pisando fuerte de la mano de Manolo Laguillo. Más de un mes ha pasado desde que le mandé las preguntas y como podéis ver, y él también lo ha reconocido, se lo ha tomado muy en serio e incluso esta vez cambiamos el formato de todas nuestras anteriores entrevistas para adaptarnos a él.
Comenzamos eso si como siempre poniéndonos en antecedentes:
Manolo Laguillo (Madrid, 1953) (www.manololaguillo.com) es catedrático de fotografía en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona. Entre 1986 y 1992 fue profesor invitado de fotografía en la Hochschule für Bildende Künste (Escuela Superior de Artes Plásticas) de Braunschweig, Alemania.
Trabajos y proyectos fotográficos más importantes: Visión mediterránea. Doce fotógrafos y el Mediterráneo (1998–99), La Reconstrucción del Gran Teatro del Liceo de Barcelona (1997–2000), El Palacio de Congresos de Valencia (1998), Lleida Panorama (1995–96), La Comunidad de Madrid (1993), México D.F. (1992–1994), Beca Fotopres ‘93 de Fotografía y Urbanismo (1992–1993), Patrimonio 2001: Los Íberos (1992–1993), Tradición y cambio en la arquitectura de Berlín (1992), La zona olímpica del Valle Hebrón (1990–1992), Astilleros Españoles (1991), Los Paisajes de Joanot Martorell (1990), Belfort: Les Quatre Saisons du Territoire (1987–1990), Barcelona, un “survey” fotográfico (1990), La ciudad y el paisaje americanos (1989), Porta d’Aigua (1989), Tàrraco, Objecte i Imatge (1988) y Un viaje por los EE.UU. (1988).
En las últimas dos décadas y media (1976–2001) ha realizado más de cuarenta exposiciones individuales de su obra fotográfica y ha participado en más de sesenta exposiciones colectivas, entre las que cabe destacar Open Spain (1992), Museum of Contemporary Photography, Chicago, y Jardín Botánico, Madrid, más itinerancia por EE. UU. y España y Cuatro Direcciones (1991, Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, más itinerancia por España, Europa y América).
59 preguntas a Manolo Laguillo.
1. ¿En qué estas trabajando ahora?
Hace ya cinco años que estoy trabajando exclusivamente con cámaras digitales. Hasta el año 2001 mi medio había sido el B/N clásico, con todas las de la ley: gran formato, trípode, etc. El soporte digital me permite controlar el proceso tanto o más que antes, y encima es en color. Esto es algo que siempre había deseado hacer, pero que nunca me había decidido a incorporar, porque el control, dependiendo de los laboratorios comerciales, se me escapaba de las manos. O sea, que ahora estoy con el color, y con mis temas de siempre, más o menos.
2. ¿Cómo nace tu pasión por la fotografía, tienes algún recuerdo de cuando eras niño?
Mi padre siempre fue muy aficionado, y un tío mío también: el primer laboratorio en B/N que vi fue el de él. Yo debía de tener unos diez años. Recuerdo que ponía las cubetas dentro de la bañera, algo realmente incomodísimo.
3. ¿Como has ido creando tu estilo? ¿Qué fotógrafos de los clásicos han influido en ello?
La verdad es que ya desde mis comienzos me inclino por una tendencia muy determinada. El que mejor la representa es Walker Evans. Dato interesante para los aficionados a la astrología: Walker Evans nace exactamente 50 años y 5 días antes que yo, el 3 de noviembre de 1903.
4. ¿Qué piensas de Cartier-Bresson y de su teoría del “instante decisivo”?
A HCB hay que entenderle desde el budismo zen. Su teoría, que puso en práctica toda su vida, debe ser leída contra el fondo del libro de Eugen Herrigel, Zen y el arte del tiro con arco. Yo estoy de acuerdo con ambos, con Herrigel y con Cartier-Bresson.
5. ¿Quién, a pesar de todo, ha confiado en ti en los momentos malos, y de quien te acuerdas cuando recoges un premio importante?
Tengo mucha suerte, porque son muchas las personas que han confiado y confían en mí.
6. ¿A qué fotógrafos consideras buenos fotógrafos? Me refiero a los actuales, tanto españoles y extranjeros.
Si tu pregunta es ¿qué es para ti un buen fotógrafo?, la respuesta es: todos aquellos que hacen buenas fotografías buenas. Me explico mejor: para que una fotografía sea realmente buena tiene que haber sido hecha desde la conciencia de lo que es hacer una buena fotografía, y para ello es necesario saber qué es una fotografía, y qué no lo es. O sea, que no toda ‘buena’ fotografía es una buena fotografía buena.
7. ¿Cómo ves el panorama fotográfico en la actualidad?
Lo veo confuso, mejor dicho, confundido, porque se confunden a menudo las ‘buenas’ fotografías con las buenas fotografías buenas.
8. ¿Qué te mueve a comenzar un reportaje?
Antes de contestar, déjame que corrija una palabra. Yo no diría ‘reportaje’, sino simplemente ‘trabajo’, porque no todos los trabajos fotográficos son reportajes. Reportaje viene de ‘reporter’, en francés ‘informar’. Tras esta puntualización ‘pejiguera’, mi respuesta: lo que me mueve para empezar un trabajo es siempre el encargo. Y éste puede salir de mí mismo, o venir de fuera, de lo que normalmente llamamos un cliente. Cuando empezaba con la fotografía, hace ya más de 30 años, también había un encargo, sólo que yo no lo sabía… Poco a poco me he ido enterando.
9. ¿Cómo preparas un reportaje?
Me gusta documentarme, tanto de una manera directamente vinculada con el asunto, como de forma indirecta.
10. ¿Normalmente son trabajos concretos, o tienes margen para aportar tu visión personal?
Los trabajos profesionales ‘puros y duros’, que también hago, suelen ir muy marcados y acotados por el cliente. Los otros poseen margen para que yo me pueda poner a buscar e investigar, aunque siempre hay lugar para que uno se pueda ‘enrollar’. Pero en realidad no se trata tanto de ‘aportar la visión personal’, como de poder o no probar cosas distintas. Y la verdad es que casi todos los trabajos de encargo han sido muy libres. Tengo la suerte de que me buscan para que haga lo que yo quiero.
11. Dicen que «el que paga, manda». ¿Es así?
Todo depende de lo que entendamos por ‘mandar’…
12. En tu trabajo, ¿presentas las fotos que quieres, o las que quiere el que paga?
Para lograr que se publiquen las que uno quiere es importante enseñarle al cliente sólo las justas. Todo depende del cliente, y de la confianza que haya con él. Cuando un cliente no tiene confianza en mí, no me interesa continuar con la relación. El cliente perfecto es aquel que te llama porque te necesita, y confía en ti. Si él supiera hacer las fotos, ¿para qué iba a llamarte? Si te llama es porque no sabe resolver el problema fotográfico que tiene. Y repito, se supone que debe tener confianza en ti, pues eres un profesional.
13. ¿Que opinión tienes sobre la situación laboral tan precaria en la que se encuentran muchos fotógrafos de prensa, sin contratos, sueldos míseros, etc.?
Relee mi respuesta a la pregunta anterior, porque tiene que ver con esta que me haces ahora.¿Qué voy a opinar? Pues que me parece muy mal que exista, pero en estas cosas somos los fotógrafos, y no sólo los de prensa, los primeros culpables: no deberíamos aceptar según qué condiciones. Se trata de una relación incorrecta, y por tanto inaceptable. La cuestión también tiene que ver con la imagen que nos hacemos, cuando aún somos unos novatos, de lo que es la profesión, sea cual sea la rama a la que te quieras dedicar (prensa, publicidad, moda, arquitectura…). La fotografía no es la cosa romántica que la gente se piensa.
Por otra parte, los fotógrafos lo tenemos relativamente bien si nos comparamos con otras profesiones. La situación laboral es en general tremenda, y eso que aún no hemos tocado fondo.
14. ¿Como son tus relaciones con aquellos a los que retratas?
Hago muy pocos retratos, y siempre de gente muy próxima. Aunque esto, como todo, también tiene sus excepciones…
15. ¿Sientes algo, o solo haces fotografía?
Si no sintiese no fotografiaría. Véase mi comentario acerca del budismo zen, pregunta 4ª.
16. Cuando haces una foto que es muy profunda, ¿tienes que parar y reflexionar sobre ella?
¿Qué es una fotografía ‘profunda’?
17. ¿Es posible salir de un reportaje sin ninguna herida emocional? ¿Necesitas tiempo, o el trabajo es tu medio de escape?
Todo en la vida afecta y, según y cómo, hiere… Forma parte del hecho de ser humano, más aún, de estar vivo, el que el entorno desgaste. Todos acabamos por morir.
18. ¿Buscas un cambio en la persona que ve la foto?
No. Sería una pretensión excesiva. ¿Quién soy yo para procurar algo así? En todo caso busco compartir lo que yo he visto con la persona que ve mi fotografía.
19. ¿Qué tiene que tener una buena imagen?
Emoción y una buena factura, un buen oficio, en el orden que sea, da igual. Y que conste que hay muchas maneras distintas de entender qué es una ‘buena factura’.
20. Háblame un poco de tus próximos proyectos, ¿hay algún libro en camino?
Sí, hay dos asuntos en marcha. Por un lado estoy escribiendo un libro sobre el método fotográfico, que espero acabar muy pronto. Lo publicará GrisArt. Y luego tengo una exposición en el MACBA de Barcelona, en febrero de 2007. Reunirá más de 150 fotografías mías, bajo el título ‘Barcelona 1977-2007’.
21. ¿Qué condiciones crees que debe de tener un buen fotoperiodista?
Las que debe poseer un buen fotógrafo, incluido el sentido ético.
22. ¿Qué equipos sueles utilizar? ¿Te pasaste por completo a digital? Si profesionalmente no te hiciera falta y solo fueras un aficionado, ¿seguirías tirando en analógico?
Sí, sólo trabajo en digital, y también sería así si sólo fuese un aficionado, pues eso es lo que en el fondo sigo siendo.
23. Manual, automático, prioridad al diafragma, medición puntual, spot… ¿cuál es tu manera de funcionar diariamente? ¿Utilizas velocidades lentas en algunas fotos por algo en especial, o porque te lo requiere el momento?
Como soy fotógrafo más ‘espacial’ que ‘temporal’, le suelo dar la prioridad al diafragma. Trabajo últimamente con un objetivo que lleva estabilizador, y estoy encantado con poder usar tiempos de hasta un 1/8 a pulso. Me gusta trabajar con el ISO lo más bajo posible, para evitar el ruido. Y empleo el histograma para calcular la exposición correcta.
24. ¿El equipo lo es todo? ¿Qué piensas de los fotógrafos que siempre tienen que estar a la última?
El equipo no es nada si no hay un fotógrafo detrás. Mi amigo Mariano Zuzunaga lo expresa de esta forma tan graciosa: “Mi cámara es muy lista, porque sabe cuándo la uso yo, y cuándo la usas tú”. Por otra parte, estar a la última en el equipo es una especie de fetichismo, con el que simpatizo porque encuentro que es algo muy humano, y en el fondo inofensivo, aunque a mí no me preocupe mucho en este momento de mi vida.
25. ¿Qué opinión tienes de la Fotografía Digital? ¿Y del debate Analógico vs Digital? ¿Crees que la Fotografía como concepto ha cambiado debido a las nuevas tecnologías, y que el término “foto” ha dejado de existir para dar paso al termino “imagen”?
Yo estoy contento con la tecnología digital. A la vez que se va perfeccionando poco a poco va bajando de precio. Ahora hay ya una cámara que cuesta en torno a los 3.000 euros, tiene casi 13 millones de píxeles, y es de formato completo. No está mal…
La resistencia a lo nuevo es tan vieja como el mundo. Es una de las reacciones posibles, y cada uno sabe por qué acepta o rechaza lo que sea. Lo único que hay que evitar es el adoctrinamiento y el proselitismo. Aunque, claro está, entiendo perfectamente la nostalgia, porque es inevitable que lo analógico vaya desapareciendo poco a poco. Cada vez habrá menos materiales disponibles (papeles, películas…), pero creo que la posibilidad de encargar las cosas no desaparecerá. Seguramente se trata de usar la imaginación, y de inventar maneras nuevas de agruparse, porque un conjunto de fotógrafos ‘analógicos’ siempre le pueden encargar al fabricante XYZ una partida importante de papel, o de placas de 4×5, por poner un ejemplo. Se trata de superar una cierta masa crítica.
Dicho esto, a la vez creo que el concepto de lo fotográfico no se ha modificado sustancialmente. En todo caso más bien ha ocurrido que la posibilidad de la manipulación digital ha puesto bajo una nueva luz lo que la fotografía no manipulada tiene de creativo, de acto configurador de una ficción. Eso es lo auténticamente interesante en la fotografía, desde Fox Talbot en adelante.
26. ¿Se equivoca una persona que no quiera el digital y se compre una ampliadora para seguir con el Rodinal?
No, en absoluto. La mejor manera de aprender fotografía sigue siendo la analógica. Saber fotografía ‘a la antigua’ prepara óptimamente para la digital. De hecho el momento es propicio para comprar una ampliadora, porque como nadie las quiere han bajado de precio. Se pueden encontrar ampliadoras para 4×5 a cuatro duros.
27. ¿Cuál sería para ti el código ético o moral que debería respetar cualquier fotógrafo a la hora de manipular sus fotografías?
Difícil pregunta, porque no todas las fotografías son iguales. Yo te diría, y no me quiero evadir del tema, que hay fotografías analógicas sin manipulación posterior que, sin embargo, mienten como bellacas, porque la realidad que presentan no existe, porque las cosas no son así.
28. ¿Crees en las reglas de composición clásicas para la fotografía? ¿Las aplicas?
No, porque esas reglas no existen. ¿Dónde están expuestas? ¿Quién las ha formulado? ¿Cuándo? Primero está la práctica, y luego viene el intento de sistematizarla, de reflexionar sobre ella. De manera que una cosa es la práctica, y otra las tales reglas. Ya sabes lo que dice ese famoso proverbio, que sólo el necio confunde la luna con el dedo que la señala. Las reglas de composición son el dedo, por si no ha quedado claro… Las reglas las elaboran los que no hacen fotografías.
29. ¿ISO alto o flash?
ISO bajo, y exposición larga, la que haga falta…
30. La persona fotógrafa, ¿nace o se hace?
Yo creo en el aprendizaje, porque de lo contrario no me dedicaría a la enseñanza desde hace ya más de 25 años. Pero constato una y otra vez que hay personas con más facilidad que otras. Aquellas a las que les cuesta menos siguen en la brecha, y acaban haciendo una obra interesante. La fotografía es engañosa, porque parece que puede uno hacerse con ella rápidamente, y no es así. Estoy convencido de que se necesitan al menos 10 o 15 años para empezar a madurar, para construir un estilo propio.
31. ¿La fotografía es un arte?
Puede serlo, claro que sí.
32. ¿Recuerdas alguna fotografía, aunque no sea tuya, que siempre te venga a la memoria?
No una, sino muchas.
33. Una duda que mucha gente se plantea en canalfotografico.com, ¿Qué foto no harías nunca?
Aquella que, por hacerla, supusiese causar daño. De todas formas me parece una preocupación ociosa, porque en el momento ya se vería… Por otra parte creo que es una pregunta típica de fotógrafo de prensa, que es un poco lo que da el tono a muchas de las preguntas anteriores. Además hay que pensar que la fotografía nunca es ella sola en sí misma, sino que siempre debe pensarse teniendo en cuenta dónde se publica, en qué contexto aparece. Y esto es algo que en general a todos los fotógrafos se nos escapa bastante de las manos, pero quienes menos lo controlan seguramente sean los de prensa. Una vez entregada la foto, ¿sabemos qué va ser de ella? Recordemos los problemas de Eugene W. Smith con Life…
34. ¿Cómo es un día en la vida de Manolo Laguillo?
Clases, atender a los alumnos, trabajar con mi fotografía, la correspondencia, leer, escribir, oír y hacer música, estar con la familia y los amigos, de vez en cuando voy al cine, o a un concierto… lo normal. Tengo dos tipos de actividades, las que hago regularmente, cada día, y las que practico concentradamente, en un período relativamente corto de tiempo.
35. ¿Quién es Ansel Adams para ti? ¿Qué ha significado en tu vida?
Leer sus libros fue importante, aunque no decisivo. Para mí el libro realmente clave fue uno de Andreas Feininger, La nueva técnica fotográfica. Los de AA los leí después. Son fantásticos por su claridad y orden. Recordemos que era músico…
36. Te interesa representar el espacio en fotografía. ¿Y eso cómo se consigue?
Me gustaría que mi afirmación ‘me interesa la representación del espacio’ se entendiese poniéndola contra el fondo de lo no espacial, es decir, lo temporal. Esas son las dos categorías de cualquier experiencia humana, el espacio y el tiempo. Y uno puede ser más bien espacial (Westón, Humberto Rivas), o más bien temporal (cualquier reportero de prensa, Cartier Bresson, Koldo Chamorro…). Una vez que sabes en qué consiste tu talante, si eres más bien ‘espacial’ o más bien ‘temporal’, se trata de sentir y de pensar, a partes iguales, y de ir aprendiendo.
37. Yo he leído tus libros (El sistema de zonas, La fotometría, El gran formato). ¿Eres en realidad tan técnico, o en verdad los negativos tienen mucha latitud, y lo que no se logra en la exposición se logra luego en el laboratorio?
Lo que cuento en mis libros es el resultado de mi práctica. Lo que ocurre es que se tarda más en explicar todo eso que en hacerlo. Por otra parte, como llevo casi 30 años enseñando, muchas cosas las tengo muy claras porque las he tenido que transmitir, y eso me ha obligado a sistematizar y a ordenar. Pero sé a qué te refieres, y te contestaré con más detalle: cuando fotografiaba con película, siempre medía la luz como describo en mis libros, pero no siempre usaba distintos tiempos de revelado de los negativos. Es decir, que el control del contraste lo hacía en la inmensa mayoría de las veces jugando con la gradación del papel, y no con el tiempo del revelado, sobre todo en los últimos años, con las películas de grano T.
38. Explícanos muy brevemente en que consiste, según tú, el sistema de zonas.
El SZ es un método que permite previsualizar el resultado final. Dicho de otra forma, es un procedimiento que permite imaginar distintas soluciones, distintas maneras de representar fotográficamente una determinada escena. Cuantas más maneras seamos capaces de imaginar, mejor dominamos el oficio. También hay aquella definición clásica, extremadamente comprimida, que es estupenda: el SZ sirve para ecualizar el tono fotográfico.
39. ¿En qué área de la fotografía te sientes más cómodo?
Véanse las pregunta 3 y 36.
40. ¿Por qué fotografiar?
Porque en ello me va la vida. Es lo que sé hacer mejor, y a lo mejor mis fotografías hasta pueden llegar a ser útiles…
41. ¿Qué significa GrisArt para ti? ¿Como escuela es la mejor?
Antonio Corral es muy amigo mío, y GrisArt, su escuela, ha estado ahí desde hace casi veinte años. Le debo muchísimo.
42. ¿Te gusta ser profesor e impartir cursos a futuros fotógrafos? ¿Qué se siente?
Sí, me gusta enseñar. Aunque el resultado quizá precise de décadas para ser percibido. Por ejemplo, cuando en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona, que es donde enseño, te viene un alumno, y te dice que es hijo de otro alumno de hace veinte años…
43. Tantos premios, tantos reconocimientos, ¿te someten a más presión para tus próximos trabajos?
Mientras trabajo procuro pensar sólo en el trabajo. Cualquier otra cosa es una distracción. Por eso me gusta ir solo a hacer fotografías.
44. ¿Qué país cuida más a sus fotógrafos?
Quizá EE.UU., porque como es una nación joven, su historia coincide casi totalmente con la de la fotografía.
45. ¿Cuál es el reportaje del que estás más orgulloso? Yo me acuerdo de uno de los mineros de Asturias…
Te confundes, ese es un trabajo maravilloso de Antonio Corral, de GrisArt.
46. Si te pidiera que me dijeras una sola foto de todas las que has hecho en tu vida ¿cuál sería?
Típica pregunta puñetera… Te respondo con otra pregunta ¿Por qué esa manía de clasificar, de elaborar ‘rankings’? ¿Por qué tantas preguntas que utilizan ideas de comparación, como ‘mejor’ (41) y ‘más’ (43, 44, 45, 46)? Estas últimas preguntas no me parecen interesantes, de verdad.
47. ¿Quién hace las fotos en tu casa? ¿En vacaciones coges la cámara? ¿Cómo se compagina el viajar tanto con la vida en familia?
Yo. Sí. Mal.
48. ¿Te retirarás algún día como hizo Cartier-Bresson, para no tocar nunca más una cámara?
No lo sé, y tampoco me preocupa.
49. ¿Cómo veía tu familia que te dedicaras a la fotografía?
Siempre me apoyó.
50. ¿Qué opinión te merece un foro como CanalFotografico.com? ¿Serías miembro de un foro así?
Me parece bien que la gente se comunique, que comparta ideas. Lo que antes se decía ‘cara a cara’, ahora se dice en la red. Gracias a ella muchas personas ya no se sienten solas en su afición, y se ha superado hasta cierto punto la diferencia que había entre una ciudad grande y una pequeña. En esto Internet ha redimido a la provincia, que diría Ortega y Gasset.
51. Dime un grupo de música…
Te diré un músico, Hopkinson Smith.
52. Una canción…
Te diré un compositor, J. S. Bach.
53. Un poema…
Cualquier poema de Ángel González.
54. Un vino…
Los del Duero, y tintos.
55. ¿Te gusta cocinar?
Regular, aunque si me pongo no lo hago mal, dicen…
56. Si no hubieras sido fotógrafo ¿que habrías sido? ¿Tienes algún hobby que no sea darle al clic?
Sin duda alguna, escultor. Hacer cosas con las manos me gusta mucho.
Mi pasión secreta es la música, a la que le dedico mucho tiempo, todo el que puedo.
57. ¿Cuál es tu comida favorita?
El pescado en cualquiera de sus formas y variedades. Ah, y soy muy goloso…
58. Veinticinco años no son nada, ¿dónde estabas en el 23F?
Trabajaba en la enseñanza media, dando clases de historia. Ese día estaba en la escuela, y por la noche venían a cenar a casa Humberto Rivas y María Helguera, su mujer. ¡Menuda angustia pasamos! Ellos, como argentinos que habían vivido toda la represión bajo los militares, estaban especialmente preocupados.
59. Si tienes algo que añadir, ahora es el momento.
Sí, dos cosas.
La primera: me gustaría comentar que el tono general de este cuestionario responde a una manera muy determinada de hacer fotografía y de entenderla, la del foto-reportero. Esto está muy bien, pero creo necesario recalcar que además de esa hay otras. Si te fijas he procurado escaparme de ese encorsetamiento siempre que he podido…
La segunda: muchas gracias por preguntar. ¡Pensando y escribiendo las respuestas me lo he pasado muy bien!
Gracias Manolo
